Stücke

„Keine Absicht – nur Tourette“, schickt Christian Hempel voraus, wenn er sich unter Leuten bewegt. Seine Schimpftiraden, seine motorischen Ausbrüche sind nicht steuerbar und irritieren, wenn man nicht darauf vorbereitet ist. In Chinchilla Arschloch, waswas betritt Hempel erstmals eine Theaterbühne, zusammen mit dem Musiker und Altenpfleger Benjamin Jürgens und dem hessischen Landespolitiker Bijan Kaffenberger. Alle haben sie Tourette. Gemeinsam mit der Musikerin Barbara Morgenstern machen sie die Probe: Wieviel Absichtslosigkeit hält das Theater aus? Und kann es ihnen schützende Heimat sein?

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Mit Christian Hempel, Benjamin Jürgens, Bijan Kaffenberger, Barbara Morgenstern, Stefan Schliephake Konzept, Text & Regie Helgard Haug Komposition & Musik Barbara Morgenstern Bühne Mascha Mazur Video Marc Jungreithmeier Lichtdesign Johannes Richter Dramaturgie Cornelius Puschke Dramaturgie Künstlerhaus Mousonturm Anna Wagner Recherche & Künstlerische Mitarbeit Meret Kiderlen Produktionsleitung Künstlerhaus Mousonturm Olivia Ebert Produktionsleitung Rimini Protokoll / Touring Juliane Männel Bühnenbildassistenz Marius Baumgartner, Loriana Casagrande Produktionsassistenz Desislava Tsoneva Aufführungsrechte schaefersphilippen Theater und Medien GbR Musikrechte Barbara Morgenstern - Maobeat Musikverlag/Budde Music Publishing GmbH Eine Produktion von Künstlerhaus Mousonturm, Schauspiel Frankfurt und Rimini Protokoll. Koproduziert vom Westdeutschen Rundfunk und HAU Hebbel am Ufer (Berlin).

Vier Nachbarn warten auf die Ankunft einer geflüchteten Familie. Weil es so richtig schön werden soll, bereiten sie eine Willkommensparty vor mit Kuchen, Ballons, schicken Klamotten. Sie wollen alles richtig machen – und verfallen dennoch in Vorurteile, Stereotype und Funktionsstörungen. Dis Merci zeigt witzig und überspitzt, dass die westliche Gesellschaft auch in ihrer Diversität schon dem Nachbarn nichts gönnt, egoistisch ist, um sich selbst kreist. Wie soll sie da die Arme für die Ankommenden öffnen?

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Mit Marc Barakat, Hubert Lemire, Emma-Kate Guimond, Papy Maurice Mbwiti Regie Catherine Bourgeois Text Ensemble mit Pénélope Bourque Ton Éric Forget Kostüm Amy Keith Licht Audrey-Anne Bouchard

Die Aufführungen von Joe Jack et John in Mainz werden unterstützt durch die Vertretung der Regierung von Québec und die Botschaft von Kanada.

Kann Pop Heimat sein? Und wenn ja, wer ist dann die Herbergsmutter? Madonna? Kylie? Oder nicht vielleicht doch Beyoncé, die sich geschickt das Beste aller Genres und Welten aneignete? Lässt sich ihr Erfolg kopieren? Kann man mit der notwendigen Begeisterung und einer Portion Ehrgeiz das schaffen, was nur sie geschafft hat? To Be Yoncé! Mit ihrer so praktischen wie rasanten Anleitung, um der Pop- und R’n’B-Sängerin näher zu kommen, sorgten Regisseurin Stephanie van Batum und Performerin Stacyian Jackson bereits an den Münchner Kammerspielen, am Schauspielhaus Bochum und bei zahlreichen Festivals für Begeisterungsstürme.

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Von und mit Stephanie van Batum und Stacyian Jackson

Wie fühlt es sich an, tagtäglich als Bedrohung wahrgenommen zu werden? Wie viel Vertrauen besteht nach dem NSU-Skandal noch in die Sicherheitsbehörden? Was bedeutet es, sich bei jeder Krise im Namen des gesamten Heimatlandes oder der Religionszugehörigkeit der Eltern rechtfertigen zu müssen? Und wie wirkt sich Rassismus auf die Sexualität aus? Der Sammelband Eure Heimat ist unser Albtraum ist ein Manifest gegen Heimat als einem völkisch verklärten Konzept, gegen dessen Normalisierung sich 14 deutschsprachige Autor*innen – darunter zahlreiche Theatermacher*innen – wehren.

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Mit Fatma Aydemir, Hengameh Yaghoobifarah, Simone Dede Ayivi Moderation Noa Winter

Auch das Meer kann eine Heimat sein. Das Berliner RambaZamba Theater kommt mit einer Uraufführung nach Mainz: Die Frauen vom Meer der preisgekrönten Dramatikerin Olga Bach. Henrik Ibsen hatte in seinem Stück Die Frau vom Meer von der in der Ehe gefangenen Ellida erzählt. Bei Bach sind die Frauen der nächsten Generation noch ein ganzes Stück eigenwilliger, unabhängiger. Sie alle treibt die Frage nach einem selbstbestimmten Leben um. Dabei vermischen sich die Ebenen zwischen Leben und Tod, Wunsch und Wirklichkeit, Ende und Unendlichkeit.

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Mit Johannes Cotta (Musiker), Juliana Götze, Joachim Neumann, Hieu Pham, Zora Schemm, Aaron Smith, Angela Winkler, Nele Winkler Regie Lilja Rupprecht Bühne Paula Wellmann Kostüme Geraldine Arnold Musik Friederike Bernhardt Dramaturgie Kristina Ohmen

Kaum ein Kinderbuch hat die US-amerikanische Unterhaltungskultur derart geprägt wie L. Frank Baums Der Zauberer von Oz, vor allem dank der Musical-Verfilmung von 1939 mit Judy Garland. Oft kopiert, nie erreicht. Aber nun macht das Berliner Theater Thikwa sich auf, die Geschichte um Dorothy und ihre Zauberland-Gefährten neu zu erzählen: Die hirnlose Vogelscheuche ist eigentlich ganz glücklich darüber, dass man mit dem „Jagdschein“ überall umsonst rein kommt. Der feige Löwe rappt zitternd ein Loblied auf die Angst. Der Blechmann quietscht vergnügt. Nur die Dame mit den roten Pumps versucht die Reisegruppe beständig von ihrer Unzulänglichkeit zu überzeugen.

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Von und mit Cora Frost (Dorothy), Corinna Heidepriem (Dorothy), Martin Clausen, Torsten Holzapfel (Vogelscheuche), Peter Pankow (Zauberer von Oz), Addas Ahmad, Christian Wollert, Stephan Sauerbier, Ismail Arslantürk, Heidi Bruck, Sammy Serag, Konstantin Langenick (Löwe), Kerstin Buenaventura, Louis Edler (Blechmann) Komposition und Live-Musik Raphael Schall (Beatbox/Rap), Kazuhisa Uchihashi (Electronic Jazz), Ismail Arslantürk Konzept und Regie Gerd Hartmann Bühne Isolde Wittke Kostüme Pablo Alarcón Lichtdesign Benjamin Schälike Regieassistenz Tina Saum, Laura Besch Kostümassistenz Heike Braitmayer Ton Klaus Altenmüller, Wolfgang Ullrich Technik Holger Duhn, Eric Scheller Produktionsleitung Angela Görlich Presse/Öffentlichkeitsarbeit Bluhm PR, Sylke Bluhm Die Masken wurden von Künstler*innen der Thikwa-Werkstatt für Theater und Kunst entworfen und angefertigt.

Stellen Sie sich vor, Ihr Partner oder Ihr Kind wird ermordet. Sie hoffen verzweifelt darauf, dass zumindest der Täter gefasst wird. Stattdessen stellt die ermittelnde Polizei Ihre Wohnung auf den Kopf und behauptet, dass Ihr Angehöriger in kriminelle Machenschaften verwickelt war. Sie werden vernommen, bespitzelt, abgehört. Klingt wie eine Horrorgeschichte? Das war der Alltag all jener Familien, die einen Vater oder Bruder und Sohn durch die Morde des NSU verloren haben. Von ihnen erzählt nun die Bühne für Menschenrechte in Die NSU-Monologe. Eine deutsche, düstere, schmerzliche Heimatgeschichte, die von den jahrelangen Kämpfen der Familien von Elif Kubasık, Adile Simsek und Ismail Yozgat berichtet.

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Buch und Regie Michael Ruf Mit Elisabeth Pleß (Adile Şimşek), Susanne Maierhöfer (Elif Kubaşık), Aydın Işık (Ismail Yozgat), Hicran Demir (Schauspielerin 4) Gitarre Lutz Spira Produktion Serpil Erdik, Basma Bahgat, Lisa Wollmannstetter, Eva de Groot

Eine Woche lang sind der britische Performancekünstler Ant Hampton und die argentinische Schauspielerin und Autorin Rita Pauls kreuz und quer durch die Mitte Deutschlands getrampt. Mit dem wenigen Deutsch, das die Beiden können, stellten die den Menschen, die sie mitnahmen, eine Frage: „Was, denken Sie, sollte einmal gesagt werden?“ Die Antworten nahmen sie auf, lernten sie auswendig, um sich auf diese Weise mit der deutschen Sprache und dem Land vertraut zu machen. In Mund-Stück tauchen diese Worte und Stimmen wieder auf, mit allen Denk- und Atempausen, Momenten des Suchens und Zögerns. Indem Hampton und Pauls die Worte und Sätze so originalgetreu wie möglich wiederholen, entsteht ein Sprechstück über die Mentalität Deutschlands im Jahre 2019, das oft komisch und oft erschreckend ist.

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Konzept und Performance Ant Hampton, Rita Pauls Produktionsleitung Livia Andrea Piazza Transkription und Übersetzung Anna Galt, Britt Hatzius Dank an Salka Gullbrá, Green Island Nordhausen Eine Koproduktion von Schauspiel Leipzig, Theater Rampe Stuttgart, Künstlerhaus Mousonturm Frankfurt, NFT – Netzwerk freier Theater (Schwankhalle Bremen und Pathos München)

Queerer Ponyhof-Feminismus trifft auf David Lynch: Dennis Seidel, international gefeierter Autor und Performer mit amtlich bescheinigter „geistiger Behinderung“, macht die Bühne mit einem Frauen-Western-Musical unsicher. „Dieses Stück bringt viel Spannung und auch Emotionen mit sich. Es wird geschossen und getötet und auch geweint und gelacht“, so Dennis Seidel über sein Projekt, in dem er selbst „die Journalistin Laura Johnsson“ spielt, „die im wilden Westen nach singenden Pferden wie Blue Jeans recherchieren tut. Oder ist sie keine Journalistin?“

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Mit Dennis Seidel, Dasniya Sommer, Matthias Zalachowski, Michelle Jackson, Solène Garnier, Fee Kürten, Melanie Lux, Michael Schumacher, Noa Michalski, Paula Karolina Stolze Im Video Katharina Bromka, Tom Reinecke Idee, Text, künstlerische Gesamtleitung Dennis Seidel Dramaturgie und Endprobenleitung Marcel Bugiel Choreografische Inputs Solène Garnier, Dasniya Sommer Bühne Manuel Gerst Kostüme Gloria Brillowska Musik Fee Kürten Video 17motion, Lutz Auhage, Iskender Kökçe Lichtgestaltung Marek Lamprecht Coach künstlerische Leitung Christoph Grothaus Requisiten Lis Marie Diehl, Christoph Grothaus Assistenz Proben Friederike Jaglitz, Hanna Kahlcke Kostümassistenz Sina Marinkovic Realisation Filmset Lutz Auhage, Lis Marie Diehl Produktionsleitung Lis Marie Diehl, Christoph Grothaus In Kooperation mit Kampnagel Gefördert von der Behörde für Kultur und Medien Hamburg, dem Fonds Darstellende Künste, der Hamburgischen Kulturstiftung und der Rudolf Augstein Stiftung.

Als „Euthanasie“, als leichtes und schönes Sterben, bezeichneten die Nazis auf zynische Weise das Ermordungsprogramm an Menschen, die nicht der ausgerufenen Norm von Gesundheit und Produktivität entsprachen. Über ein Jahr hinweg haben i can be your translator zu den wenig bekannten historischen Fakten und ideologischen Rechtfertigungen der Tötungen recherchiert und sind gemeinsam zu Mahnmalen und Gedenkstätten gefahren. Kollektiv und vielstimmig fragen sie nun: Welche Konzepte liegen damaligen und heutigen Vorstellungen von „lebenswert“ und „lebensunwert“ zugrunde? Sie tasten sich spielerisch heran, schaffen leise Momente für Erinnerung und Trauer wie auch starke Momente der Entgegnung: Das Konzept bin ich!

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Von und mit Lis Marie Diehl, Kathrin Eckhoff, Linda Fisahn, Christian Fleck, Julia Hülsken, Lina Jung, Bastian Ostermann, Christoph Rodatz, Christian Schöttelndreier, Laurens Wältken Dramaturgie Philipp Schulte Licht / Raum Birk-André Hildebrandt Kostüm Julia Strauß Video Carsten Schecker, Björn Nienhuys Videodokumentation Annika Falkenberg Produktionsleitung Helene Ewert Assistenz Line Klein Feedback-Format Sina-Marie Schneller, Annkatrin Nüsgen Gefördert vom Kulturbüro der Stadt Dortmund, dem Fonds Soziokultur, der LAG NW, dem Ministerium für Kultur und Wissenschaft des Landes Nordrhein-Westfalen und der DEW21

Was bekommen Menschen mit Behinderung eigentlich von ihrer Heimat? Im besten Fall eine problemlose finanzielle und logistische Unterstützung, die ihnen Teilhabe ermöglicht. Im schlimmsten Fall Behördenterror, Papierkrieg, ein Gerangel um jede einzelne Maßnahme – das nachhaltige Gefühl, nirgends willkommen zu sein.

Jackie Hagan, mehrfach ausgezeichnete britische Performerin und Autorin, hat für This is Not a Safe Space 80 Menschen interviewt, die von staatlicher Unterstützung leben. Mit Poesie, schwarzem Humor und Puppenspiel mischt sie Auszüge daraus zu einer wilden Stand-Up-Comedy. Vielleicht ist das auch deshalb so gut, weil sie weiß, was es heißt, als Mensch mit Behinderung und Kind der Arbeiterklasse doppelt stigmatisiert zu sein: Sie wuchs in einer staatlichen Einrichtung auf, durchlebte psychiatrische Krankenhäuser und den Wahnsinn der Bürokratie.

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Von und mit Jackie Hagan Produktion Big Feast Bühne/Kostüm Katharine Heath Licht Sherry Coenen Beratung Puppenspiel Gretchen Maynard-Hahn Ton David James

Drei Nebendarstellerinnen warten auf ihren Auftritt: Sie sind der Chor in Euripides’ antikem Drama Die Troerinnen. Auf der Vorderbühne schreitet das Drama um die Erniedrigung und Verschleppung der Frauen von Troja voran. Auf der Hinterbühne warten die drei Schauspielerinnen darauf, für kurze Momente ein paar Sätze sagen zu dürfen, damit das Management das Gefühl hat, mit dem Engagement behinderter Nebendarsteller*innen etwas für Inklusion getan zu haben. Während ihrer Pausen lästern und lachen sie, lügen und streiten. Dabei fallen ihre seelischen Hüllen wie die Kleider und offenbaren sich Wahrheiten, die mit der Tragödie auf der Vorderbühne locker mithalten können.

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Mit Bea Webster, Ruth Curtis, Erin Siobhan Hutching, Stephanie Lacey Regie Elise Davison Autorin Kaite O‘Reilly Bühne Becky Davies Komposition Tic Ashfield Licht Jane Lalljee Kostüm Angharad Gamble Untertitel Carolina Vasquez Kooproduktion The Riverfront, Chapter

Wir alle sind soziale Wesen, suchen nach Austausch, Verbindung, Bestätigung. Das Licht verspricht uns, dass da noch jemand ist, der uns sieht. Oder handelt es sich nur um das kalte Leuchten der Mobiltelefone? Ist es eigentlich gut, gesehen zu werden? Oder verbrennt uns das Scheinwerferlicht? Into the Light zeigt Begegnungen und Porträts großartiger Performer*innen. Im fantastischen Zusammenspiel von Lichtdesign und Bewegung erzählt der Abend von Menschen, die ihre Heimat auf der Bühne und im Scheinwerferlicht gefunden haben.

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Mit Andrew Tadd, Helliot Baeza, Justin Melluish, Laura Tilley, Marega Palser, Matteo Celiento, Morgan Thomas, Raúl Márquez y Rocco Ventura Regie Scott Graham, Krista Vuori Licht Andy Purves Ton Ian Barnard Produktion Tom Ayres Technik Gavin Hales Koproduktion Danza Mobile & The Sherman Theatre

Wann ist der Mann ein Mann? Auf diese Frage findet Diane for a day ziemlich witzige und abgründige Antworten. Mit Bart, Weste und Krawatte brettern acht Frauen saukomische Männlichkeitsstereotype auf die Bühne: den Marketing-Heini, den Schlagersänger, den Dramaturgen, den Studenten. Jeder kriegt sein Fett weg in dieser musikalischen Sause, unter der es schmerzlich pulst. Das erste gemeinsame Projekt von Performerinnen des Theater Thikwa und dem Künstlerinnenkollektiv hannsjana fragt humorvoll und musikalisch nach Körpernormen und Geschlechterrollen in und außerhalb inklusiver Räume.

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Von Laura Besch, Sabrina Braemer, Alice Escher, Jule Gorke, Jasmin Lutze, Laura Rammo, Mereika Schulz, Katharina Siemann, Marie Weich Mit Jonas, John „Piggy“ Travolta, Dr. Ronald Steinhöfel, Philipp, Klaus, Michael Kunze, Marc, Joe Konzept hannsjana Bühne Marie Weich & hannsjana Kostüm Heike Braitmayer Lichtdesign Julian Besch Sounddesign Marie Weich, Laura Besch Technik Holger Duhn, Eric Scheller Produktionsbegleitung, Tontechnik Klaus Altenmüller

Flirten kann etwas Wunderbares sein. Erste Blicke, ein leichtes Lächeln, ein Schritt auf einander zu. Was zählt ist, was zwischen den Zeilen passiert. Es geht um Körper-Sprache, Zwischen-Töne, Zwischen-Bewegungen. Flirten ist das schönste, aufregendste und schwierigste Spiel überhaupt. Wera Mahne und ihr Team aus gehörlosen und hörenden Darsteller*innen haben aus Material zum Thema Flirten und Körpersprache, das sie gesammelt haben, einen Abend über Begegnungen gemacht: Was sagen wir eigentlich, wenn wir gerade nichts sagen?

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Konzept, Regie Wera Mahne Performance Kathrin-Marén Enders, Pia Katharina Jendreizik, Tümay Kilincel, Pavel Rodionov Choreografie Tümay Kilincel Dramaturgie, Website/Gestaltung Declan Hurley Ausstattung Regina Rösing Produktionsleitung Esther Schneider Kommunikationsassistenz Xenia Vitriak, Sophia Rohde Produktion Wera Mahne Koproduktion FFT Düsseldorf