Stücke (leichte Sprache)

Auch Ausruhen kann Kunst sein.
Das zeigt das Hör-Stück A Crash Course in Cloudspotting.
Übersetzt heißt das: Ein Schnell-Kurs im Wolken-Beobachten.

Für dieses Stück haben sich viele Menschen miteinander verbunden.
Menschen in ganz Deutschland.
Alle diese Menschen haben eine unsichtbare Behinderung.
Oder eine chronische Krankheit.
[Chronische Krankheit bedeutet:
Der Mensch hat diese Krankheit für lange Zeit.
Vielleicht sein Leben lang.]

Wie ist das Hör-Stück entstanden?

Viele Menschen haben sich entschieden:
Sie wollen bei dem Hör-Stück mitmachen.
Sie haben sich eine App herunter-geladen.
Und sie haben Ton-Aufnahmen mit der App gemacht.

Viele Menschen mit einer unsichtbaren Behinderung brauchen Pausen.
Sie müssen sich oft hinlegen.
Zur Erholung.
Diese Pausen gehören zu ihrem Leben.

Bei jeder Pause haben die Menschen eine Ton-Aufnahme gemacht.
Jedes Mal, wenn sie sich hingelegt haben.
So entsteht eine Landschaft aus Tönen und Klängen.

Das Publikum kann bei dem Stück mitmachen.
Sie können sich auch hinlegen.
Sie können zuhören.
Sie können fühlen:
Wie fühlt es sich an, diese Töne im Liegen zu hören?

Konzept Raquel Meseguer Zafe Entwickelt mit Sophia Clist, Laura Dannequin, Jamie McCarthy, Tom Metcalfe, Charles Webber Software Entwickler David Haylock, Joseph Horton Publikationsdesign Lily Green (No Bindings) Vertrieb Unlimited & Camden Alive

Eine Produktion von MAYK

Wer oder was ist AJIMA? 
Ist es Maija Karhunen? 
Sie stellt sich selbst auf einer 
Plattform aus.
Sie klappt ihren Laptop auf.
Sie kaut Kaugummi.
Und sie führt uns Yoga-Übungen vor.
Ist sie AJIMA?

Wer ist AJIMA?
Tanzt sie auf der Bühne?
Mit einer großen Licht-Show?

Erzählt sie Witze?
Spicht sie mit uns?
Wir wissen es nicht. 

Aber eins merken wir schnell:
Die Künstlerin nimmt uns mit auf eine Reise.

AJIMA ist echt und falsch.
Privat und öffentlich. 
Alltag und Theater. 
Alles hat mehrere Bedeutungen.
Ein Höhe-Punkt kommt nach dem anderen.
Wir erleben uns in AJIMAs Welt.
Und wir werden Teil von ihr. 
Wenn alles gut geht, sind wir am Ende vielleicht alle ein bisschen AJIMA. 

Das Stück stellt Fragen:

• Wer bin ich?
• Wie sehen mich andere Menschen?
• Welche Rollen spiele ich?
• Und warum spiele ich diese Rollen?

Webseite Marc Phillip Gabriel

Performance / Co-Choreografie Maija Karhunen Konzept / Choreografie Marc Philipp Gabriel Bühne / Kostüm Friederike Meese 

Eine Produktion von Marc Philipp Gabriel in Koproduktion mit dem Hochschulübergreifenden Zentrum Tanz Berlin (HZT)

Your eyes my sight heißt übersetzt:
Deine Augen, mein Blick.

Das Stück ist geheimnisvoll.
Es geht um ein Leben im Dunkeln. 
4 verschiedene Personen haben das Stück geschrieben.
Sie zeigen auf der Bühne die persönlichen Erfahrungen, Hoffnungen und Träume von Anna Sophie Lübeck.
Anna Sophie Lübeck ist eine blinde Schauspielerin.

Das Stück Your eyes my sight führt das Publikum durch die Phantasien in Anna Sophie Lübecks Kindheit. 
Durch die Sehnsucht ihrer Jugend.
Und durch ihr Erwachsenen-Leben. 

Das Stück verändert den Blick der Menschen im Publikum.
Es kostet Kraft.
Es taucht immer weiter in die tiefe Finsternis ein.
Und es zeigt:
In der Dunkelheit sehen wir alle gleich aus.

Webseite GLAD Theater

Die Internet-Seite Kulturtid.dk schreibt:

„Wir sehen uns, wir sehen Anna Sophie Lübeck. 
Wir werden vom Licht geblendet und im Dunkeln gelassen. 
Wir können sehen, was passiert. 
Aber es ist Anna Sophie Lübeck, die uns eineinhalb Stunden lang herum-führt. 
Vielleicht mit einem breiteren Blick als wir selbst.“

Mit Anna Sophie Lübeck, Dan Roland Lund Regie Lars Werner Thomsen Dramaturgie Jesper Michelsen Bühne Johan Kølkjær Sound Design Rune Abel Autor*innen Alexandra Moltke Johansen, Magnus Iuel Berg, Thea Kulavig, Tomas Lagermand Lundme

Bei der Arbeit nennt Julia Häusermann sich Frank. 
Sie benennt sich nach Frank Levinsky.
Er spielt in der Serie „Verbotene Liebe“ mit. 

Aber sie ist weit mehr als Frank. 
Und weit mehr als Julia, die Frau mit Trisomie 21. 
Sie ist eine Künstlerin.
Sie kann sich verwandeln.
In Gespenster.
In Musik-Stars.
In Figuren aus einer Fernseh-Serie.
In Maschinen.
Und in Moderatoren.

Julia Häusermann bewegt sich.
Sie trauert. 
Sie wird wütend. 
Und sie lacht von Herzen. 
Sie spielt.
Sie vergisst sich selbst.
Sie schlüpft in immer neue Rollen.
Und sie schafft neue Bilder.
Neue Frauen-Bilder.

Webseite Theater HORA
Webseite Münchner Kammerspiele

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Von und mit Julia Häusermann Regie Nele Jahnke Ideen / Autor*innenschaft Eliane Bertschi, Anna Fierz, Julia Häusermann, Nele Jahnke, Mehdi Moradpour, Hans-Jakob Christian Mühlethaler, Maxi Schmitz, Sabina Winkler Bühne / Kostüme Sabina Winkler Musikalische Leitung Hans-Jakob Mühlethaler Video Eliane Bertschi Dramaturgie Mehdi Moradpour 

Eine Produktion der Münchner Kammerspiele in Kooperation mit dem Theater HORA

Precarious Moves heißt übersetzt: Unsichere Bewegungen.

Wie setzt sich ein Körper in Bewegung?
Vor allem ein verletzlicher Körper?
Was passiert, wenn ein Körper das Gleich-Gewicht verliert?

Michael Turinsky untersucht Bewegungen im Tanz.
Dieses Stück ist ein Solo.
Das heißt:
Michael Turinsky tanzt es allein.

Michael Turinsky will wissen:
Was brauchen Menschen, damit sie gut von einem Ort zum anderen kommen?
Und:
Was brauchen Menschen mit einer Körper-Behinderung, damit sie gut von einem Ort zum anderen kommen?

In Michael Turinskys Stück geht es auch um Zeit.
Wann braucht ein Mensch mit Behinderung eine Pause?
Damit der Körper sich ausruhen kann.

Die Arbeits-Zeit muss zu meinem Körper passen.
Nicht mein Körper zur Arbeits-Zeit.

Im Stück Precarious Moves zeigt Michael Turinsky:
Der Körper bewegt sich durch die Welt.
Und gleichzeitig ist er mit der Welt verbunden.

Man kann die Kunst von Michael Turinsky auf der Bühne erleben.
Er kann andere damit begeistern.

Webseite Michael Turinsky

Performance / Choreografie / Konzept / Text Michael Turinsky Musik / Lyrics Tian Rotteveel Bühne / Kostüm Jenny Schleif Licht Sveta Schwin Dramaturgische Beratung Gabrielle Cram Produktionsleitung Anna Gräsel / groundworkers.at 
Eine Produktion von Michael Turinsky (Verein für Philosophische Praxis) in Koproduktion mit Tanzquartier Wien und HAU Hebbel am Ufer 
Mit Unterstützung der Kulturabteilung der Stadt Wien und des Bundesministeriums für Kunst, Kultur, öffentlichen Dienst und Sport.

Lebende Minus Tote ist ein hybrides Erlebnis.
Das heißt:
Man kann es im Theater erleben.
Und am Computer.
Lebende Minus Tote ist auch ein 
360°-Erlebnis.
Das bedeutet:
Man kann es von allen Richtungen aus sehen.

Das Stück wird von 4 Bühnen-Künstlern und Bühnen-Künstlerinnen gemacht.
Zusammen mit 3 Sängern und Sängerinnen.
Und dem Komponisten Mathias Monrad Møller.
[Ein Komponist schreibt Musik.]

Die Künstler und Künstlerinnen setzen sich mit dem Thema Tod auseinander.
Damit, dass sie selbst irgendwann sterben werden.
Sie wollen zum Beispiel wissen:
Wie trauern wir um verstorbene Menschen?

Grundlage für Lebende Minus Tote ist das Online-Projekt Archiv der lebenden Toten.
[Online-Projekt bedeutet:
Es ist ein Projekt im Internet.]

Das Projekt hat Stimmen von Menschen aus den Corona-Risiko-Gruppen gesammelt.
Damit auch Menschen in Zukunft ihre Stimmen und ihre Geschichten hören können.

Webseite theatrale subversion

Mit Alexander Bauer, Katharina Bill, Wolf-Dieter Gööck, Paula Götz, Michael Neil McCrae, Mathias Monrad Møller, Leila Schütz, Romy Weyrauch Künstlerische Leitung / Regie Alexander Bauer, Romy Weyrauch, Michael Neil McCrae Musikalische Leitung / Komposition Mathias Monrad Møller Text Katharina Bill Bühne Jenny Barthold Kostüme Konstanze Grotkopp Licht Martin Mulik Outside-Eye Miriam Coretta Schulte Video Alexander Bauer, Maks Pallas Betreuung 360° Technik / Postproduktion 360° Video René Blümel Soundeinrichtung / Postproduktion 360° Sound Helge Petzold 
Eine Produktion von theatrale subversion in Koproduktion mit HELLERAU – Europäisches Zentrum der Künste Gefördert vom Fonds Darstellende Künste aus Mitteln der Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien, durch die Landeshauptstadt Dresden, Amt für Kultur und Denkmalschutz und der Kulturstiftung des Freistaates Sachsen

Nachts wird gespielt. 
In Casinos. 
In Kellern. 
In Hinter-Zimmern. 

Die Schauspielerinnen bewegen sich auf einer Fläche aus grünem Filz.
Wie auf einem Billard-Tisch.
Die Bühne sieht aus wie ein zerbrechliches Gebilde aus Weltraum-Müll. 

Auf der Bühne erscheit Julia als Misch-Wesen. 
Nele als menschen-großer Würfel. 
Und Simone als Joker. 
Und sie verschwinden wieder. 

No Gambling heißt übersetzt:
Kein Glücks-Spiel.
Es geht ums Spielen.
Darum, was richtig und falsch ist.
Um Sucht.
Und um Verlangen. 

Das Stück sucht den Zauber im Alltag.
Das Risiko im Spiel.

Aber was passiert, wenn das Eis schmilzt? 
Wenn der Sand sich neu verteilt? 
Und wenn die Melone aufgegessen ist? 
Womit spielen wir dann noch?

Julia Häusermann ist Schauspielerin und Mitglied bei Theater HORA. 
Simone Aughterlony ist freie Künstlerin.
Sie tanzt und macht Bühnen-Kunst.
No Gambling ist das erste gemeinsame Stück von Julia Häusermann und Simone Aughterlony.

Webseite Simone Aughterlony

Mit Nele Jahnke, Julia Häusermann, Simone Aughterlony Regie Julia Häusermann, Simone Aughterlony Theaterpädagogik Anna Fierz Musik Gérald Kurdian Bühne Thibault Vancraenenbroeck Lichtdesign Joseph Wegmann Kostüm Nathalie Pallandre Dramaturgie Jorge León Technik Marie Prédour Inspizenz Jan Olieslagers Licht Marek Lamprecht Sound Nicolas Houssan Produktionsleitung Omar Hallawi Management Marc Streit Administration Karin Erdmann 
Eine Produktion von Imbricated Real in Koproduktion mit Festival Theaterformen (Hannover), Theaterhaus Gessnerallee (Zürich), HAU Hebbel am Ufer (Berlin), Tanzhaus Zürich, Arsenic Centre d’art scénique contemporain (Lausanne) 
Gefördert durch die Kultur Stadt Zürich, Fachstelle Kultur Kanton Zürich, Pro Helvetia – Schweizer Kulturstiftung, Ernst Görner Stiftung, Landis & Gyr Stiftung, Stiftung Anne-Marie Schindler, Schweizerische Interpretenstiftung, Georges und Jenny Bloch Stiftung, Migros Kulturprozent Zürich

Quest heißt übersetzt: etwas suchen.
Oder: etwas erforschen.
Das Stück webt ein geheimnisvolles Geflecht.
Aus schwarzem Tüll. 
Und aus goldenen Körpern.
Das Stück ist eine Reise von Helden und Heldinnen.
Sie kämpfen sich durch die Dunkelheit.
Sie suchen nach Lücken im Dunkel. 
Bis zur Unendlichkeit.
Es ist eine Reise auf neuen Beinen.
Zerbrechlich.
Und trotzdem stark.

Webseite Kornblum-Rettenmund

Performance / Choreografie Tamara Rettenmund Bühnenbild Amelie Hensel Musik / Sound Design Christoph Rothmeier Coaching Sigal Zouk, Jared Gradinger 
Eine Produktion von Kornblum-Rettenmund im Rahmen des Programms Making a Difference Gefördert von TANZPAKT Stadt-Land-Bund aus Mitteln der Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien und durch die Senatsverwaltung für Kultur und Europa / Berlin Kofinanzierungsfonds.

The End heißt übersetzt: Das Ende.
In dem Stück geht es um die Klima-Katastrophe.

Klima-Katastrophe bedeutet:
Das Wetter auf der Erde verändert sich.
Es wird immer wärmer.
Und es gibt immer mehr Unwetter-Katastrophen.
Das passiert durch die Zerstörung der Umwelt.
Das heißt: 
Menschen sind daran Schuld.

Bert und Nasi tanzen das Ende ihrer Beziehung herbei.
Sie stellen sich vor: 
Wie könnte eine Zukunft ohne den anderen aussehen?

Über der Bühne ist eine Lein-Wand.
Das heißt:
Man sieht 2 Geschichten gleichzeitig.
Eine auf der Bühne.
Und eine auf der Lein-Wand.

Eine Geschichte erzählt das Ende der Beziehung von Bert und Nasi.
Und eine Geschichte erzählt das Ende der Erde.

Bert und Nasis Tanz ist eine Erinnerung.
Eine Erinnerung daran, dass wir alle sterben werden.
Und alles um uns herum auch.

Bert und Nasi haben mit ihrem Tanz Preise gewonnen. 
Sie mischen Theater, Tanz und Bühnen-Kunst.
Ihre Stücke sind lustig.
Leicht.
Und manchmal brutal.

Die Stücke geben direkte Antworten.
Antworten auf wichtige Fragen.
Antworten auf die Welt, in der wir gerade leben. 

Webseite Bert&Nasi

Von und mit Bertrand Lesca, Nasi Voutsas Choreographie Laura Dannequin Licht Design Jessica Hung Han Yun Management Ginny Graham Produktionsleitung Hannah Slimmon / Farnham Maltings
In Zusammenarbeit mit The Place und Warwick Arts Centre Mit Unterstützung durch das Banff Centre for Arts and Creativity und Arts Council England

Karantena #millionsmissing ist ein Live-Stream.
Live-Stream bedeutet:
Man stellt eine Kamera auf.
Die Kamera filmt, was gerade passiert.
Das kann man dann im Internet sehen.

Kristine Nilsen Oma ist Tänzerin und Choreografin.
[Choreografin bedeutet:
Sie macht Tanz-Stücke.
Sie plant:
Wie tanzen die Tänzer und Tänzerinnen auf der Bühne?]

Kristine Nilsen Oma lebt ganz alleine.
In der norwegischen Stadt Bergen.
Die Live-Kamera steht in ihrem 
Wohn-Zimmer.

Warum lebt Kristine Nilsen Oma ganz allein?
Wegen der Corona-Pandemie.
Aber:
Sie hat auch eine Krankheit.
Kristine Nilsen Oma hat die Krankheit Myalgische Enzephalomyelitis.

Durch diese Krankheit wird man sehr schnell müde und erschöpft.
Darum ist es sehr anstrengend, das Haus zu verlassen.

In dem Live-Video sieht man nur sehr wenige Dinge.
Alles ist sehr ordentlich und sortiert.
So wie die Gedanken von Kristen Nilsen Oma.
Sie achtet auf Umwelt-Schutz.
Und sie geht gut mit sich selbst und ihrem eigenen Körper um.
Und mit anderen Menschen.

Kristine Nilsen Oma gibt einen Einblick in ihr Leben.
In ihre Arbeit und in ihren Tanz.
In dieser Zeit tut sie nichts anderes.

Das Stück zeigt:
Viele Menschen leben allein.
Sie haben wenig Kontakt zu anderen.
Nicht nur wegen Corona.
Sondern weil sie mit einer Krankheit leben.
Oder mit einer Behinderung.

Tanz / Choreografie / Kamera Kristine Nilsen Oma In Kooperation mit #millionsmissing - eine globale Kampagne für und mit Patienten mit ME (Myalgische Enzephalomyelitis)

Die Zukunft ist barrierefrei! So der Plan. Aber wie kommen wir dahin? Was sind die nächsten Schritte auf dem Inklusionsweg? Wie sähe eine barrierefreie Zukunft für Tanz- und Theaterschaffende konkret aus, und wo stehen wir gegenwärtig? Barrierefreiheit bedeutet für uns, dass niemand mehr einbezogen werden muss, weil niemand mehr ausgeschlossen wird. Dieses Ziel können wir nur erreichen, wenn wir verstehen, an welchen Stellen die Strukturen des Kulturbetriebs gegenwärtig nicht barrierefrei sind. Wo stagnieren die Bemühungen gleichberechtigt Kultur zu gestalten? 

Auf die Frage nach den nächsten Inklusionsschritten hat das diesjährige Symposium zwei Workshops und zwei Panels zusammengestellt. Dabei steht die Selbstbestimmtheit behinderter Künstler*innen im Fokus. Außerdem wird der Blick auf den nachhaltigen Nutzen von Barrierefreiheit für das Klima, eine diverse Gesellschaft und unser aller mentaler Gesundheit geworfen. Zudem bekommen Tanzvermittler*innen die Gelegenheit ihre Praxis auf Inklusion zu überprüfen. 

Durch ausgiebige Pausen und Onlinezugänge bietet das Symposium allen Beteiligten die Möglichkeit, zu den eigenen Bedingungen teilzunehmen.

Symposiumsleitung Angela Alves, Sophia Neises Referent*innen Laura Lulika, Maija Karhunen, Kristine Nilsen Oma, Xenia Taniko, Zwoisy Mears-Clarke, Constantin Alexander, Elisabeth Löffler, Marc Gabriel, Dodzi Dougban, Nina Mühlemann, Noa Winter, Lucy Wilke, Agnieszka Abraschka

Schon im Jahr 2018 wollten Theater HORA und Theater Neumarkt zusammen-arbeiten.
Einfach zusammen Theater spielen.
Ohne über Behinderung zu sprechen. 
Ohne über Politik zu sprechen. 
Aber wegen Corona war das nicht möglich.
Also mussten alle anders zusammen arbeiten.
So, wie es gerade geht.

Aus der Ferne.

Im Stück Warten auf Godot geht es um einen Baum.
Und um entfernte Schaupieler. 
Wladimir und Estragon warten. 
Und Godot kommt nicht.

In dem Stück steht: 
„Nur der Baum lebt.“ 

Wir glauben: Godot kommt noch. 
Vielleicht noch nicht heute. 
Aber morgen bestimmt. 
Und: 
„Warten ist gut. 
Da kann man Tee trinken“. 

Robin Gilly ist Schauspieler beim Theater HORA.
Er sagt: 
„Ich warte gerne auf Auflauf. 
Ich warte noch gerne auf meinen linken Schuh. 
Ich warte auf eine kalte Suppe. 
Ich warte auf ein schönes Leben. 
Ich warte gerne. 
Auf mein linkes Ohr.“ 
 

Warten auf Godot ist Corona-Theater.
Daran wird man sich bestimmt auch nach der Corona-Zeit noch erinnern.
Denn so ist das Stück etwas ganz Besonderes.

Webseite Theater HORA
Webseite Theater Neumarkt

Mit Noha Badir, Alireza Bayram, Robin Gilly, Matthias Grandjean, Lucas Maurer, Sascha Özlem Soydan (im Video) Konzept / Regie Nele Jahnke (Theater HORA), Manuel Gerst (Monster Truck) Bühne / Kostüme Manuel Gerst Sound Rolf Laureijs Video Robert Meyer Technische Beratung Alexander Buers Ausstattungsassistenz Leonie Müller Regieassistenz Kenza Nessaf Dramaturgie Julia Reichert 

Eine Produktion von Theater Neumarkt in Koproduktion mit dem Theater HORA

Scores that shaped our friendship heißt übersetzt:
Noten-Buch unserer Freundschaft.
In dem Stück geht es ums 
Zusammen-sein.
Um die Liebe zu Kleinigkeiten.
Und um Spaß. 

Lucy Wilke und Paweł Duduś zeigen ihre Freundschaft als zärtlichen Tanz.

Als Tanz der Berührungen. 

Ihr Tanz ist voller Gefühle.

Und voller Humor.
Ihre Vorliebe für Gedichte.
Ihre Sinnlichkeit.
Und die Herausforderungen im Leben.

Lucy Wilke und Paweł Duduś fragen gemeinsam:

Wo hört der eigene Körper auf?

Und wo fängt der andere Körper an?

Wie sehen, hören und fühlen wir unseren Körper?
Und die Körper anderer Menschen?
Gemeinsam zeigen Paweł Duduś und Lucy Wilke ein Porträt ihrer Freundschaft.

Es ist privat.
Es sprengt Grenzen.
Es zeigt Wege in die Zukunft.

Das Stück hat 7 kurze Kapitel.
Paweł Duduś und Lucy Wilke lassen sich vom Publikum beobachten.
Sie zeigen ihre Verbindung.
Ihre Gefühle.
Sie zeigen sich selbst.
Und sie lassen sich dabei zugucken.

Das Stück wurde 2021 zum berühmten Theater-Treffen Berlin eingeladen!

Mit Lucy Wilke, Paweł Duduś, Kim Ramona Ranalter Idee / Konzept Paweł Duduś, Lucy Wilke E-Komposition / Live-Musik Kim Ramona Ranalter Bühne Theresa Scheitzenhammer, Alexander Wilke Licht Barbara Westernach Outside Eye David Bloom, Tamara Pietsch Künstlerische Produktionsleitung Rat & Tat Kulturbüro 

Gefördert vom Kulturreferat der Landeshauptstadt München. Dieses Projekt wird ermöglicht durch den Bayrischen Landesverband für zeitgenössischen Tanz (BLZT) aus Mitteln des Bayerischen Staatsministeriums für Wissenschaft und Kunst, den Bezirk Oberbayern und die Kulturstiftung der Stadtsparkasse München. Diese Produktion wird unterstützt von Tanztendenz München e.V.

Wonach schmeckt das Sterben? 
Warum haben alle Angst vor dem Sterben? 
Kann eine Seele zu Erde werden?
Werde ich als Regen-Wurm wieder-geboren?
Was kann ich dagegen machen?

Diese Fragen beantworten Kinder, Jugendliche und Erwachsene zusammen.
Alle Fragen haben mit dem Tod zu tun.
Und mit dem Leben.

Die Gespräche dazu sind ernst und leicht.
Und auch komisch.
Viele Menschen wollen nicht über den Tod sprechen.
Das will das Stück WELT OHNE UNS ändern.

Die beiden Gruppen Meine Damen und Herren und SKART/Masters of the Universe arbeiten zum ersten Mal zusammen.
Sie arbeiten in der Gruppe zusammen an neuen Stücken.

Sie entscheiden zusammen.
Sie beschäftigen sich mit dem Thema:
Wer hat die Macht?
Wer entscheidet?
Die Form der Arbeit erkennt man auch in ihrer Kunst.

Webseite Meine Damen und Herren

Webseite SKART

Von und mit Lis Marie Diehl, Christoph Grothaus, Charly Heidenreich, Friederike Jaglitz, Philipp Karau, Filomena Krause, Thomas Möller, Jula Pieper, Janne S. Plutat, Minu Schilling, Ricarda Schnoor, Mark Schröppel, Michael Schumacher, Malin Speicher, Lina Strothmann, Jasmin Täschner, Henrik Weber Eine Produktion von barner 16 / alsterarbeit gGmbH 
Gefördert von der Behörde für Kultur und Medien Hamburg, vom Fonds Darstellende Künste aus Mitteln der Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien sowie dem Berit und Rainer Baumgarten Stiftungsfonds unter dem Dach der Hamburgischen Kulturstiftung Ermöglicht durch die Wiederaufnahme- und Gastspielförderung des Dachverbands freie darstellende Künste Hamburg, im Auftrag der Freien und Hansestadt Hamburg, Behörde für Kultur und Medien

Der Schauspieler Fabian Moraw ist
Dr. Berg. 
[Dr. ist die Abkürzung für Doktor.]
Jede Woche schaut er die Serie Bergdoktor im Fernsehen.
Und dann schreibt er Stücke darüber für die Münchner Kammerspiele.
Immer neue Folgen von Dr. Berg. 

Der Bergdoktor in der Fernseh-Serie kann alle Menschen gesund machen.
Man kann auch sagen: 
Er ist ein Wunder-Heiler.
Aber Dr. Berg ist anders.
Er ist ein echter Arzt.
Er liebt Schlager und Breakdance. 
[Breakdance ist ein Tanz.
Man tanzt ihn auf der Straße zu Hip Hop Musik.]
Manchmal hat er Liebes-Kummer. 
Seine Arbeit wird ihm manchmal zuviel.
Dann träumt er von seinem Lieblings-Ort Schweden.

Er hat eine Arzt-Praxis.
Aber er gibt auch den Menschen im Publikum Gesundheits-Tipps.
Und Menschen im Internet.
Er sagt den Menschen, welche Krankheiten sie haben. 

Für das Festival Grenzenlos Kultur öffnet Dr. Berg seine Praxis zum ersten Mal in Mainz.
Für die Zuschauer und Zuschauerinnen.
Und für alle, die im Internet dabei sind.

Außerdem zeigen wir die erste Folge Dr. Berg und das Bruder-Herz mit Sebastian Brandes. 

Die Welt wird eine gesündere sein.

Mit Fabian Moraw, Sebastian Brandes und Überraschungsgästen Konzept, Umsetzung Nele Jahnke, Fabian Moraw, Gina Penzkofer, Sebastian Reier Text Fabian Moraw Musik Mine 
Dank an Emre Akal, Rania Mleihi, Lukas Pank, Daniela Schroll, Felizitas Wiesner

Helliot Baeza ist Tänzer.
Er wurde in Spanien geboren.
Seit 2006 gehört er zu der Gruppe Compañía Danza Mobile.

Aber dieses Stück tanzt er nicht zusammen mit der Guppe.
Er tanzt alleine.
Man kann auch sagen:
Das Stück ist ein Solo.

In seinem Stück mischt Helliot Baeza Tanz, Theater und Bühnen-Kunst.
Das Stück ist eine Reise.
Es erzählt:
Was macht einen Menschen einzigartig?

Helliot Baeza erzählt in dem Stück auch seine eigene Lebens-Geschichte.
Er stellt Fragen.
Er fragt:
Was verbindet Menschen?
Was unterscheidet Menschen?
Und was trennt Menschen?

Und was bedeutet es, wenn man sagt:
Jemand ist „anders“?

Webseite Danza Mobile

Eröffnet wird der Abend mit einem Tanz-Stück von Corinna Mindt und Oskar Spatz. 
Beide gehören zu tanzbar_bremen.

Corinna Mindt und Oskar Spatz erforschen in ihrem Tanz:
Ist es selbstverständlich, auf der Welt zu sein?
Sie bewegen sich entspannt gemeinsam.
In diesen Momenten wird das Einzelne weniger wichtig.

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Idee, Konzept Antonio Quiles Mit Helliot Baeza Choreografie Antonio Quiles, Helliot Baeza Künstlerische Beratung, Assistenz Choreografie Esmeralda Valderrama Lichtdesign Benito Jiménez Musik, Sounddesign Pepe Arce Requisiten Alex García Kostüm Loulitas Co. Stimme Nacho Terceño Produktion Danza Mobile & Alteraciones Danza 

Echo:Reflexion ist eine Musikperformance für Sopran, Flöte, Violoncello und eine tanzende Gebärdensolistin. Der Titel kann auf verschiedene Weise verstanden werden. Thematisch geht es um eine zeitverzögerte, unendliche Reflexion wie beispielsweise einen Gedanken oder einen Traum, der immer wiederkehrt – den man neu interpretiert oder auch loswerden möchte. Diese Vorstellung ist inspiriert vom ersten Kapitel der Kurzgeschichtensammlung Der Spiegel im Spiegel: Ein Labyrinth von Michael Ende. Visuelle und akustische Elemente sind in der vierteiligen Komposition ausgewogen und ergänzen sich. Echo:Reflexion ist eine Musikperformance für taube und hörende Menschen.

ensemble in transition ist ein Ensemble für Neue Musik, Gebärdenpoesie und Tanz. Als hörend-taubes Ensemble entwickeln die vier Künstlerinnen ungewöhnliche Performance-Konzepte und erschließen in ihrer besonderen Besetzung im transmedialen Dialog neue künstlerische Räume. 

Mit Désirée Hall – Flöte (taublos), Larissa Nagel – Violoncello (taublos), Maren Schwier – Sopran (taublos), Kassandra Wedel – Gebärdensolistin und Tänzerin (taub) Regie Stefanie Hiltl Komposition Alexander Reiff Projektleitung Désirée Hall 
Gefördert durch Friedrich Stiftung, hessische Film- und Medienakademie, Stiftung Polytechnische Gesellschaft Frankfurt a.M., Sabine-Rademacher-Stiftung, Kulturamt Frankfurt a.M. und Frankfurter Stiftung für Gehörlose und Schwerhörige

Rest heißt übersetzt Ruhe oder Pause.

Woran denken wir, wenn wir an unser Bett denken?
An Träume.
An Lust.
An Krankheit.
An den Tod. 
An Geburt.

Im Bett geben wir die Kontrolle ab.
Wir verlieren uns selbst.
 

Angela Alves ist eine Tänzerin und Choreografin.
[Choreografin bedeutet:
Sie plant und erfindet Tanz-Stücke.
Sie entscheidet: Was soll auf der Bühne passieren?]
Und sie liegt viel im Bett.
Sie muss sich ausruhen.
Manchmal hat sie deswegen ein schlechtes Gewissen.
Aber sie kämpft dagegen an.
Denn die Ruhe-Pausen bedeuten auch:
Angela Alves kümmert sich gut um sich selbst.

In REST spricht Angela Alves vor Publikum über Pausen.
Übers Ausruhen.
Übers Liegen.
Und sie bringt ihr eigenes Bett mit in die Kakadu Bar im Staats-Theater Mainz.
Auch das Publikum ist in Angela Alves Bett eingeladen.
Dort können sie den Stimmen zuhören.
Die Stimmen kommen aus Angela Alves Matratze.

Webseite Angela Alves

Konzept / Installation Angela Alves 

Das RambaZamba Theater hat 
2 Hörbücher aufgenommen.
Und veröffentlicht. 
Während des Corona-Lockdowns.

Das erste Hör-Buch heißt: Liebe an. Liebe aus. Durch Berlin mit Patti Smith.

Patty Smith ist eine amerikanische Musikerin und Künstlerin.

Patti Smith nimmt uns mit auf einen Rund-Gang durch ihr Berlin. 
Wir begleiten sie zum ältesten Wasser-Turm der Stadt. 
Zum Bahnhof Zoo. 
Und auf den Dorotheen-städtischen Friedhof ans Grab von Bertolt Brecht. 
 

Dabei tauchen wir in eine eigene Welt ein.
Eine Welt zwischen früher und heute.
Wir erfahren von Patti Smith Träumen.
Und wir sind dabei, wenn sie Freunden und Freundinnen begegnet.
Patti Smiths Erzählungen sind lebendig und liebevoll.

Das zweite Hör-Buch heißt: Paul Celan und der chinesische Engel. 

Patrick geht es nicht gut.
Sein Leben läuft nicht so, wie er will.

Patrick besucht Cafés in Berlin.
Dort liest er Gedichte von Paul Celan.
Er hofft:
Vielleicht fühlt er sich dadurch wieder besser.

Im Café trifft Patrick auf Leo-Eric.
Und Leo-Eric weiß viel über Patrick.
Patrick ist das unheimlich.
Trotzdem freunden die beiden Männer sich an.
Ihre Freundschaft ist etwas Besonderes.
Aber sie bleibt auch ein Rätsel.

Webseite RambaZamba Theater

weitere Audio-Projekte von Rambazamba

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Liebe an. Liebe aus: Mit Angela Winkler, Nele Winkler Paul Celan und der chinesische Engel: Mit Jennifer Lau, Alexander Scheer, Yoko Tawada Regie, Fassung Steffen Sünkel Musik, Aufnahmeleitung Jacob Gückel 
Gefördert aus Mitteln der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Berlin